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造梦西游4修改器漫游各大区域更自如 (支持最新版)。

时间:2023-05-17 14:14:34来源:互联网

  开分了开分了。

  9.2!

  深挖顶级大厂内幕!

  揭露影史神作秘辛!

  揭露广为人知大导另一面!

  哪怕“注水”也不耽误五星的——

  《光影与魔法》

  Light & Magic

  看这片名,还以为是《哈利·波特》系列又出啥衍生剧。

  但其实,这是一部相当详实的大厂企业宣传纪录片。

  主角,来自好莱坞第一特效大厂,工业光魔。

  1975年成立,至今依然屹立业界top1。

  怎么介绍它呢?

  有它才有电影特效这一行。

  能拿的奖它都拿过,且不止一次:16次奥斯卡最佳视效、22个科学技术奖,总统还亲自为他们表彰。

  图像视频两大专业软件PS、PR就是它家搞出来的;顶级动画工作室皮克斯曾经只是它的一个小部门……

  好莱坞大导卡梅隆为它站台,斯皮尔伯格是它的拥趸。

  你能叫的上名字的大片都是靠它画龙点睛。

  12年前,它曾有一部1小时的纪录片《工业光魔:创造一切可能》。

  要Sir说,完全不够看。

  今天这部新出的纪录片,在那基础上扩充到6集,近6小时。

  好莱坞最会造梦的魔术师,究竟如何无中生有?

  历经47年,又如何一直葆有造梦的活力?

  最强幕后,立刻开箱。

  01

  最专业的外行

  聊这家大厂,迈不过去起点,星战之父乔治·卢卡斯的《星球大战》。

  彼时,好莱坞最正宗的科幻电影,是库布里克的《2001太空漫游》。

  可对乔治·卢卡斯来说,那长镜头、那静止的巨物,太!慢!啦!

  老爷子要的是速度与激情。

  他想拍更快、更激烈的科幻片。

  可举目好莱坞,如此大场面、高要求,根本没人能做。

  发现没有人、也没有公司能做出

  我要的电影效果

  怎么办?

  自己开一家公司。

  开公司好办,你得有人才吧。

  乔治·卢卡斯找到了约翰·戴克斯卓,广告特效师。

  戴克斯卓是个厉害角色。

  爱玩,会开各种车:二轮、四轮、甚至三个轮子的小飞机……

  还喜欢摄影。

  虽然只是个广告特效师,但《2001太空漫游》的制作公司实习过。

  有技术,有想法,bingo!

  和卢卡斯初见,两人对宇宙飞船在太空穿行的创意一拍即合。

  通过他,卢卡斯愣是挖到一帮“地下特效党”。

  这帮人怎么挖来的?

  二人兵分两路。

  卢卡斯开始着手《星球大战》的前期准备,并前往英国实拍。

  戴克斯卓则开始找办公室、拉人入伙。

  在凡奈斯机场附近,他找到了一间空的仓库。

  啥也没有,初期只能坐在地板上打电话摇人。

  戴克斯卓开始以“我有一个大项目”,空口套好友。

  好友找朋友,还真找到了,来自五湖四海的能人异士——

  有大厂迪士尼员工想来再创业的;有喜欢看特技片修摩托的;有当过海军又在工厂里弄电子元件的;有人纯粹是因为通勤时间能少一个小时……

  (当然他们后来都成了大片背后深藏功与名的大佬)

  乔·约翰斯顿、罗恩·彼得森(《后天》《人工智能》)、理查·艾德伦、菲儿·提佩(《暮光之城》)、丹尼斯·穆伦、肯·劳斯顿(《阿甘正传》、爱丽丝梦游仙境》),一群从小看着《金刚》《原子怪兽》长大,脑洞大开的未来大师,相聚一堂。

  他们有一个共同点:默认这活儿不赚钱,但想做。

  就为了童年时期就种下的怪奇光影梦。

  小时候,用柯达傻瓜相机拍家庭电影,里面就有“森林巨人”。

  有人喜欢恐龙,成为了业余的考古学家,并制作恐龙打架的定格动画。

  有人用模型拍出了飞机撞大桥的“大片”画面……

  虽然人摇得挺顺利,可有一个很大的隐患。

  他们……都是外行。

  怎么拍?模型要怎么设计?用什么摄影机才能拍出星际穿越的高难度动作?

  要做飞船模型,那就找二战电影中的各色飞机,各种变形。

  帝国的战机是原厂货,精美;反抗军穷,所以是“二手改装车”,破旧,且加大引擎、风驰电掣。

  汉·索罗作为“星际大镖客”,飞船要灵巧,灵感来自厨房的脏盘子+汉堡包。

  为星战迷津津乐道的大场面,当年既没法实景拍摄,也没法后期渲染。

  比如肯诺比关掉光束的画面,总不能单造一栋空心塔出来。

  怎么办?

  挖技术大拿迪士尼的墙角呗。

  哈里逊·艾伦萧,迪士尼的遮幕绘景师,被邀到星战剧组。现卖现学。

  采用先进的遮幕绘景拍摄——

  画出景物图,叠上演员和实体场景。演员站在舞台地面上方,下方的底板被折幕绘景替代,成为一条往下延伸的竖井。

  将绘制的景色,重叠到软片上,留出实景拍摄的部分。

  能实拍的实拍,不能拍的咱手绘。

  类似于“完形填空”的技术,是不是超级神奇?

  拍摄技术,重点难题。

  传统的特效镜头是物体移动,摄影机跟拍。

  但到外太空,有太阳光作为光源。模型一动,“太阳”也要跟着走,太复杂了。

  (你能想象灯光师搬着大灯在电线铺地板的片场跟着模型跑吗)

  所以飞船是固定的模型,运动其实是靠摄影机。

  拍摄需要氛围遮幕、引擎、实景好几次。

  问题来了。

  怎么保证摄影机在每一次拍摄中,运动轨迹都相同呢?

  这需要根据力学知识,设计全新的摄影机和对应的电脑。

  △ 戴克卓机、拉玛全景摄影机和新电脑

  解决拍摄问题的一小步,横跨了行业的一大步。

  从制作到拍摄,全是难点,只能无视一切规则。

  也对应了戴克斯卓说的特效工作核心:不停玩耍胡闹。

  玩闹的背后,是疯狂的脑暴,和每天工作18个小时的天昏地暗。

  只要管用,就不惜一切代价付诸行动。

  就这么边试边拍。

  小仓库也越来越满。

  工业光魔,出生了。

  02

  最苦逼的领导

  这初创挺励志吧?

  可在那时候,老大卢卡斯可糟心了。

  他从英国出差回来,发现仓库里的这帮家伙,花了近一半预算,只拍了2个镜头。

  而此时,距离电影上映还有6个月,待完成镜头,400个。

  团队初创,没有人统筹、分工,导致所有人工作效率低,进度极慢。

  卢卡斯闷气生完,只能重整旗鼓。

  现场工作一团乱麻,那就雇助理,让专人负责排进度。

  镜头太多,那就多拍不用调整机位的素材,进行镜头的合并。

  对年轻的卢卡斯来说。

  《星球大战》不只是为自己圆梦、为华纳赚钱的工具。

  它更像是一次为个性实现的自我证明,为叛逆买单的绝地反击。

  小时候,卢卡斯是闻名小镇的赛车狂人,他想修车,也想当赛车手。

  可惜,他生平第一次上报纸,不是拿奖,而是因为车祸。

  收心后,卢卡斯不愿接手父亲的文具店,坚决要去读书。

  他对心理学和人类学尤为感兴趣,约瑟夫·坎贝尔的《千面英雄》更让他痴迷不已,里面全是原始英雄的神话故事。

  大三开始接触电影的他,第一部学生短片就震惊南加州整个电影系。

  他的科幻短片《电子迷宫》(1967年)在电影界获得首奖,讲一个只有编号的未来人,试图逃离系统的故事。

  这部片让刚认识他不久的斯皮尔伯格自惭形秽(也可能是客气)。

  我永远拍不出这种好片

  之后卢卡斯和制作人科波拉成为挚友,还组建了小工作室美国西洋镜。

  也因此,卢卡斯编导了他职业生涯最满意的长片处女作《500年后》。

  脱胎于《电子迷宫》,一部反乌托邦的未来预言。

  △ 统治世界的是巨大的主机

  这部有《黑客帝国》《银翼杀手》雏形的前瞻之作,在当时被华纳乱剪,双方闹掰。

  票房惨扑,被骂烂片,工作室开张即破产,分道扬镳前,制作人科波拉苦口婆心地劝他,先放弃幻想,拿出实力证明自己的导演能力。

  别再拍这种自命不凡的奇怪科幻片

  于是,喜剧片《美国风情画》横空出世。

  卢卡斯用77万投资拿下1.15亿票房以及奥斯卡最佳导演提名的成绩,证明了自己的导演能力。

  有《美国风情画》作保,才有了“卢卡斯爱好大乱炖”的《星球大战》。

  所以,卢卡斯对这部作品尤为重视。

  可进度如此慢,预算又严重超支,卢卡斯简直头大。

  粗剪版一出,斯皮尔伯格的观后感不满得很委婉。

  剪辑师懵逼。

  唯一让高层满意的镜头,只有一个。

  △ 50万的力挽狂澜

  时间紧张,钱快花完。

  但卢卡斯骑虎难下,只能硬着头皮继续。

  更痛苦的是,卢卡斯必须追求速度,但又不肯放低要求。

  纪录片第二集看完,Sir真心佩服老头子。

  他身上有种歇斯底里,就像剪辑师形容的一样,极富想象力,也极实际。

  为星战迷津津乐道的莫斯艾利斯小酒馆的戏,他拍完很不满意。

  酒馆本应充分展现外星人、赏金猎人、走私犯和逃犯的物种多样性。

  但因为实在英国实拍,场地有限,外星人实在稀少。

  逼得这个完美主义者只能上后招——

  回国摇人。

  6周,再做一批外星人。

  一个脚踏实地的做梦者,字典里没有“不可能”。

  老大的气质影响了团队,工业光魔那个仓库里的工作氛围十分神奇。

  你会看到仓库外头各种孩子气的玩具:水池、飞机逃生通道做的滑梯,咖啡机边热聊的员工。

  但你也会看到,工作18个小时甘心996的工作狂。

  Sir也相信,没有这样的头儿和团队。

  就没有《星球大战》。

  03

  最烧脑的公司

  后来的事,你我都知道了。

  《星球大战》一战成名。

  观众惊掉下巴,剧组奖项拿到手软,濒临破产的福斯更是笑到合不拢嘴,上映3周股价翻了一倍。

  全球票房收入超过4.1亿美元,北美票房仅次于《乱世佳人》,是如今票房最高的科幻电影。

  对工业光魔,这是一次巨大但具有偶然性的成功。

  想要屹立不倒,只能不断越过一重又一重难关。

  随着团队规模的稳定、职能的厘清,拍摄前期工作也比第一次有条理。

  工作精细,技术升级,只为创意更多元自由地发挥。

  花活更多的《帝国反击战》来了。

  为了做出人态逼真的“机甲舱+四条腿”,把俾路支巨犀作为概念模型,进行步行机机械化改造。

  用单格录影机,把步行机的移动拍摄下来,做定格动画。反复操作,每天步行机的运动都要拍8-10小时。

  只为了电影里的几秒钟。

  为了省钱,学会“使诈”。

  许多小行星模型是用土豆替代的。

  为了拍星星拉成线条,飞进外太空的特效镜头,又不能改变模型大小,就用拍立得相机斜拍照片,剪下来贴在玻璃上拍摄。

  剪辑花时间、死板。

  那就自己做一个剪辑软件。

  他们找到了用电脑制作动画的犹他大学高材生,艾德·卡特摩尔。

  电脑绘图其实是把每个像素放在排列位置里,组成像素的小方块根据色彩有自己的编码,像素越亮数字越大。

  视觉特效师可以用上百万个可定址的像素,在画格里处理每一个点。

  卢卡斯深知技术工具不能省,于是他决定投资开发新软件。

  投资的钱哪里来?

  赚外快啊。

  叮!斯皮尔伯格下单《夺宝奇兵》✅,并给出好评。

  暴风雨中流动的云——

  用“云槽”:上面是温的清水,下面是冷的咸水,两层分离。在其间用小装置注入蛋彩颜料上色,就等蓬松的云展开来。

  鬼魂,能做。

  像撑杆偶的“鬼”放入水中,通过高速摄影拍摄其流动的样子。

  融化的人脸?

  很新鲜,没试过,那就试试。

  首先根据演员的头骨做一个模子,再雕塑出肌肉;再用硅胶等材料做齿膜,并给它加热让它自然融化;最后,仍然是定格动画的拍法,一秒一格。

  有了斯皮尔伯格的好评,工业光魔不再是卢卡斯的私人特效部门,而成了所有奇幻、科幻片梦寐以求的合作对象。

  《E.T外星人》的骑单车名场面,美轮美奂。

  但你能想到吗,当时特效都花在做E.T上,到这儿没钱了。

  穷有穷的方法。

  用绳子绑着单车, 拉着单车过那个镜头。

  钱为什么花得那么快?

  很多视觉特效都是和实体特效结合的。

  《吵闹鬼》,剧本里一句在“房屋内爆炸”,就要花25万美元。

  而且必须一次成功,不然要再花5、6万。

  纪录片里,Sir对一句话印象深刻。

  来自视效师道格拉斯:“我们用很悲惨的过程创造魔法”。

  悲惨,来自无中生有,比有更好的折磨。

  就这样,卢卡斯在接单、投资开发的过程里,不知不觉更新了特效、剪辑的数字化技术。

  有处理图像的,有剪辑合成影像的。

  前者被托马斯诺尔独立出了一款叫“显示”的软件,也就是大名鼎鼎的Photoshop的雏形。

  后者拓展了另一套业务链,高速处理影像的硬件“皮克斯”,一台售价12万美元。后来这个业务组成为了单独的动画部门,卖给了史蒂夫·乔布斯。

  (没错就是那个跳跳灯的皮克斯)

  04

  最细腻的魔法

  工业光魔的slogan:电影比技术更重要。

  这或许也是经历了47年,工业光魔依然能屹立不倒的原因。

  在当时很多特效公司倒闭的情况下,凭借着数字化革命。

  大洗牌的工业光魔,在特效之路上走得更加纯粹。

  詹姆斯·卡梅隆的《无底洞》,将水元素玩到登峰造极之作。

  可在写剧本的时候脑子里只有画面,“智慧控制的水”就像触手一样试探着人类基地。

  需要模拟水波纹,末端做出人脸。

  问题是怎么做出来

  技术狂魔卡梅隆能想到的最好办法也是:白黏土动画+高速摄影的1.0版本。

  听起来就不太聪明的样子。

  工业光魔又增添了电脑成像部,总监决定用特效开发新工具。

  要挑战水折射和反射的特性——

  用背景板,呈现出人在水折射后看见水扭曲的样子;

  水会反射周围的一切,实拍时把所有布景的照片用Photoshop组合成一个环境。

  随着技术的更新,一个无法避免的对立出现。

  以老手工作坊代表的模型部门,和新技术顶流的电脑成像部形成了两股势力。

  原本,虚实(特效&模型)各有所长。

  电影特效丰碑之作《终结者2:审判日》里,施瓦辛格的猛男魅力被他碾压——

  大反派,液态金属人T1000。

  就连漫威的新剧《我是格鲁特》也跨30年致敬了一波前辈。

  T1000的诞生,兼具了人体特征和赛博美感。

  为了让他像人,模型部门要做出他的骨骼、肌肉、肌腱;

  为了有冷酷的机械感,这型男走路时也得“肌理分明”——

  在涂满金漆的演员身上标网格线,用两台摄影机同步拍摄前面和侧面拍摄他动作的肌肉组织。

  他细小的微跛动作,甚至也放进了特效制作中。

  这,才有了一个混合了水银光泽和健美肌肉的俊美机器人。

  电脑成像的本质,是用绘画或动画来解决问题。

  T1000穿过铁栏杆时,要突出他柔弱无骨的“水”性特征。

  传统意义上,两个物体撞击,笨蛋电脑会让他们彼此穿透,就是咱们常说的“穿模”。

  但这陈年窠臼,早在当时就找到了解决办法。

  写出新程序,让脸配合栏杆的轮廓变形,看起来就像液体通过了栏杆。

  △ 这个惊到掉烟的老头,妥妥是观众的嘴替

  可技术哪分高低,它们都是为电影服务。

  于是,虚实合战的巅峰,《侏罗纪公园》来了。

  本应该是以模型+定格动画出彩的《侏罗纪公园》,在电脑扫描后大幅度提升了效率。

  但老手艺人菲儿并没有“失业”,他对于恐龙的理解赋予了这些动物新的生命。

  用定格动画进行了分镜测试。

  菲儿甚至会给动画师们上“恐龙培训课”,把自己想象成恐龙。

  吃饭、喝水、打斗、捕猎……在真实和造梦的缝隙中找灵感。

  技术,创造不可能。

  特效的日益逼真,与影视制作的拟真状态息息相关。

  从早期的定格动画,到《曼达洛人》的动态捕捉环绕屏。

  绿幕、蓝幕成了所见即所得的新技术。

  从冰岛的雪原道黄沙大漠,你只需要按一个按钮。

  特效的后期,提到了前期,有看得见的景物,有实际的体验。

  特效让电影表现力无所不能,唯一的制约可能就是人类的想象力。

  工业光魔的壮大,背后是电影人对梦的执着。

  这个名字取得也挺好的。

  一个能创造银幕魔法的工人。

  而最最重要的,是指引、敦促这个魔法工人的“光”。

  就像《终结者2》中,卡在栏杆间隙的枪。

  展现了固体与液体的差别,也区隔了炫技与整体塑造,特效与电影本质。

  在把泛滥特效当做营销噱头无尽夸赞的当下。

  它时刻提醒电影人。

  特效,是为了实现梦。

  而不是成为梦。

  本文图片来自网络

  编辑助理:西贝偏北

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